viernes, febrero 29, 2008

Hot in the Refrigerator

-Lo único que me dejó mi marido fue esta vieja nevera. Y puedo jurarles que es lo que más caliente me pone del mundo entero.

Patricia Grant, 57 años, Connecticut.

-La nevera siempre bien llena.

Juanita Lasarre, 41 años, Argentina.

-Recuerdo todavía aquel viaje a Siberia, estaba tan caliente que el hielo se derretía unos 30 centímetros a mi alrededor cuando me tendía en la nieve.

Xavier Fersstmichdt, 35 años, Hawai.

-El alcalde Peter Adamson tuvo la desfachatez de robarme el refrigerador, mi ropa interior y un distorsionador de voz de Darth Vader. Que extraños fetichismos.

Amanda Lane, 43 años, Darwin (Australia).

Hace algún tiempo les regalamos una pequeña maldad titulada “Un Hombre y una Mujer”. Como sabemos que ha sido un tema recurrente en sus momentos de intimidad, Lost Driver y Aura hemos seguido perpetrando experimentos sonoros para que deleiten sus oídos con los trinos y cantos más dulces.

Este tema que les presentamos va a calentar los hogares del mundo entero.

Degustado a máximo volumen, con su bebida favorita aderezada con mucho hielo, un sillón cómodo y sus mascotas bien cerca.

Esperemos que les guste.

Hot in the Refrigerator

miércoles, febrero 27, 2008

THE BIOINFORMATION STUDY – Sonidos Para La Proyección Astral

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Lost Driver

¿Cuántas veces no ha deseado usted escaparse de su cuerpo y vagar por un tiempo a lo largo y ancho del cosmos? El estrés del trabajo, pocas horas de sueño, comidas más rápidas que el bólido de Pierre Nodoyuna... En resumen: una vida terrenal que le priva de lo que usted realmente anhela: la proyección astral. Ese estado de relajación extremo en el que su alma y el infinito se funden cual gorgonzola en una cazuela de ‘fondue’. Eso que tanto ha soñado y que por varios motivos no ha podido usted experimentar hasta ahora. Porque ahora, ¡sí es posible, gracias a este maravilloso producto que le ofrecemos en una promoción sin parangón!

Se trata del maravilloso disco compacto “Sonidos para la proyección astral”, editado por el no menos grandioso Bioinformation Study. Con sede en la capital de Levante, este gabinete de estudios sobre la bioinformación (tanto da, en inglés o castellano, pues es un signo de su voluntad de proyección internacional, dejando de un lado lo meramente cósmico) bajo la supervisión del distinguido profesor Ernest Hanquet, (también conocido como ‘El Belga’) han perpetrado para su disfrute personal y espiritual una serie de discos provistos de “ondas alpha subliminales, frecuencias especiales, amén de efectos y mensajes (de nuevo) subliminales”. Éstos activan nuestras endorfinas y llevan a buen puerto nuestro biorritmo, haciendo que nos olvidemos del maldito estrés y esas cosas tan feas y poco satisfactorias del día a día.

Juan José Verdú ha creado una pieza única (el CD consta de una sola pista de una hora, un minuto y 28 segundos) con sus teclados interestelares que de buen seguro le llevaran cuán lejos desee, dependiendo de un lado u otro del universo que quiera explorar. Es importante advertir, como reza en la parte superior del disco, que “Al copiar este compact-disc, se pierde el efecto terapéutico y los mensajes subliminales”. En el libreto interior también se detallan las instrucciones para gozar mejor de esta Biomúsica.

Pero este producto no se vende en todas las tiendas: puede conseguirlo a través del propio centro antes citado, o en ‘Cash Converters’, o en este caso concreto en Disco 100, maravillosa tienda del barrio de Gracia de Barcelona (en esta última al precio de 3 euros).

Si se atreven aquí tienen una forma de escuchar esta inconmensurable pieza:

Sonidos Para La Proyección Astral

¡No deje pasar esta oportunidad!

Posted by Lost Driver

martes, febrero 26, 2008

A 45 RPM!!! Israelites


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3. Desmond Dekker. Israelites/ The Man.

Estaba tardando demasiado ya en poner un single de reggae. Y qué mejor que uno de los temas más universales del género, uno de los primeros hits que dio el denominado spirit of 69 de una de las primeras estrellas de la cadencia jamaicana, con el permiso de Jimmy Cliff, el legendario Desmond “ojos de cachalote” Dekker.

Lo del apodo le viene por su afición a ciertas substancias inyectables. El tipo, que falleció hace un par de veranos, es recordado por su voz imposible, casi asexuada, y por un ramillete de éxitos, a finales de los 60 y a principios de los setenta, como ya digo, la era dorada del skinhead reggae, subgénero caracterizado por sus órganos neumáticos, el staccatto de la guitarra sincopado, y haciendo confrontación con las líneas de bajo, en la línea que se empezó en la época del rocksteady, además de la incorporación de ciertos elementos musicales que le dan un cierto aire folklórico, como la flauta travesera o la melódica, además de la profusión de ecos y voces de toaster. Para terminar con la introducción al estilo, es curioso encontrar ciertas similitudes con la música country, además de las obvias connotaciones soul.

Como habéis podido adivinar, el tema en cuestión es uno de los momentos más redondos en mis sesiones reggae, no falla, la gente lo reconoce desde la primera nota y se vuelve loca. Le tengo mucho cariño, por este motivo, y porque es el típico tema que he podido escuchar desde muy jovencito; primero en aquella cinta llamada Roots of Reggae, luego en otra cinta de “Greatest Hits De Desmond Dekker que encontré en el montón de las baratitas en el mítico Continente (lo reconozco, soy un mallrat) e incluso en la famosa película “Drugstore Cowboy”.

Tuve la suerte de poder ver a Desmond Dekker en el clásico festival O-Zona Reggae en el año 96, donde interpretó sus temas y algunos clásicos de toda la vida (¡llegó a tocar temas de los Police!) Aquello fue emocionante, a la par que histórico, ¡sin duda!

En cuanto al single en sí, podéis ver que la portada es preciosa, con una bonita foto del jamaicano tomando un tren. Fijaos si tuvo renombre mundial, que se trata de una edición española, lo cual confirma la magnitud del mito. Lo pude pillar un domingo en el Mercat de Sant Antoni por una más que módica cantidad.

Con este single me gustaría rendir un sincero tributo tanto a la figura de Desmond Dekker, una de las voces más maravillosas de la historia de la música, así como a la música jamaicana en general, desde el Mento hasta el Dancehall, pasando por el Calypso, Ska, Rocksteady, Skinhead and early Reggae, el Roots, el Dubtoda ella me ha dado momentos melómanos impagables, ¡y espero siga dándomelos muuucho tiempo!

Pues eso, “this version rules the nation…from the number one stat-ta-ta-tion!!!”

Fran le Kinky


lunes, febrero 25, 2008

Actriz Fetiche. Mi Brigitte.

De entre las dos Bs Gainsbourg siempre preferí a la Bardot antes que a la Birkin. Tal vez fuera porque lo que en una era naturalidad y descaro en la otra se me antojaba sofisticación y carácter mimado. Sea como fuere, el caso es que el tiempo me ha dado la razón revelando a la primera como una vieja excéntrica que dedica su ancianidad a cuidar animales y a la segunda como madurita que compone discos para adultos modernos.

Pero tampoco se trata de cubrir una falsa rivalidad. A mí siempre me gustó Bardot. Mi Brigitte. Con sus poses de bailarina y aquella caballera que parecía un nido de pájaros, invariablemente despeinada. Aquella ninfa que recogía animalillos del suelo con el mismo capricho con el que después se subía a las mesas para bailar un mambo. La Bardot era frescura y desenfreno. Las ropas le molestaban a su metro setenta de estatura, y se convirtió en la mujer vestida más desnuda que vi jamás.

Brigitte siempre se mostró, tal cual. Siendo esfinge u odalisca, niña perezosa o Bonnie Parker. Una joven descalza que recoger del camino sin saber a ciencia cierta cuando podría volver a salir corriendo. Con su naricilla pecosa, sus piernas inquietas y aquella lúcida mirada extraviada, ardorosa y retadora:

“I have been very happy, very rich, very beautiful, much adulated, very famous and very unhappy”


Mientras ella se suicidaba una y otra vez, aludiendo a que siempre que se enamoraba pensaba que sería para siempre, el resto del mundo intentaba atrapar su reflejo en portadas plastificadas, tratando de comprender el enigma de la mujer-bebé, aquella nudista solicita que balbuceaba mientras se mordía el pulgar saliendo de la bañera. Tal vez Cocteau fue uno de los pocos que respetó el mito, mostrándola y ocultando al mismo tiempo su desafío en una breve escena de El Testamento de Orfeo:

Sólo la Eva medusea podía darle fin al poeta de una lanzada.

jueves, febrero 21, 2008

L’Érotique Tiroler Circus

El universo visual de lo erótico a menudo se alimenta de los festines más variados, a gusto del caprichoso espectador. En mi mansión, y para deleite de todos los sentidos, la carne no basta, necesita de algún particular aderezo que convierta las imágenes en algo más que una simple sucesión de estampas rosáceas.

A menudo, y ante la falta de condimentos que pueblan algunas películas, mi mente hiperactiva necesita algo más. Llámenlo generación de extrañeza, convulsión, juego de contrastes o simplemente picardía, pero ciertas secuencias necesitan ser aliñadas para conseguir sabores de regustos inclasificables. El aburrimiento no debe darse nunca, jamás, bajo ningún motivo.

Es por ello que cuando alguna escena se alarga en demasía y lo que se muestra se ha dado ya tantas veces, de repente algún curioso mecanismo se despierta en mí buscando la maravilla, y visto mis videos de colores y sonidos encantadores. Añado al visionado alguna imagen perturbadora que me ayude a comprender la complejidad del ser humano. Acompaño a las bellas señoritas de esos cuadros móviles de alguna música exótica que conduzca sus movimientos de forma armónica o busco algún efecto que modifique el ritmo de las imágenes a mi antojo.

Mi último descubrimiento es la seductora melodía que les adjunto un poco más abajo. Utilícenla sin miedo alguno en los ratos de recreo, y sonrían, siempre.

Tiroler Circus



miércoles, febrero 20, 2008

A 45 RPM!! MINOTAUR

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4.Dick Hyman. Minotaur / Topless Dancers of Corfu.

Hoy les hablaré de uno de los singles más extraños que tengo, y también uno de los de duración más extensa. Porque siete minutos para ser un siete pulgadas, pues está bastante bien. Órgano moog, y absolutamente todo el instrumental utilizado es electrónico. Si estuviéramos hablando de un disco de hoy en día no sería una cosa extraña, pero se trata de una grabación del año 1968, y no era quizá tan común, aunque como hemos visto en alguna otra ocasión, el uso de este tipo de cachivaches era cada vez más común. Hasta los Rolling Stones tuvieron uno, que acabaron cediendo a los más ad hoc Tangerine Dream.

Pues eso, siete minutos de intrigante percusión y órgano moog, en lo que parece una demostración de las prestaciones de dicho aparato. Según tus gustos, puede o enervar o gustar en demasía. Evidentemente yo estaría en el segundo grupo, una de mis pasiones es la música electrónica vetusta, y palidezco de envidia cada vez que veo la colección de discos de este estilo que tiene la autora de este blog.

A este señor le descubrí en otro tema de este mismo estilo llamado “Give it up or turn it loose, que tenía localizado en la maravillosa colección Blue Juice de la no menos maravillosa casa Blue Note y aunque en los créditos lo localizaba en una especie de antología de la electrónica, al final descubrí que venía incluida en el mismo disco que el single en cuestión. Más adelante averigüé también que este individuo es más conocido por su faceta como músico de jazz y por ser responsable de muchas de las bandas sonoras de las películas de Woody Allen.

Se trata de un single sin portada, lo que lo hace aún más misterioso y atrayente, que encontré en la mítica y ya comentada web de Dusty Groove y que creo que no me costó ni caro siquiera. Va bien de vez en cuando echarle un vistazo porque se encuentran cosas realmente interesantes. Aunque un servidor se limita a la sección de singles, no por esnobismo ni nada de eso, sino porque con lo aficionado que soy a la adquisición de música en todos sus formatos, sería mi ruina seguro. Ya me compraré los LPs o los CDs en Barcelona…

En fin, escuchen, y déjense llevar por los sonidos mitológico-electrónicos del minotauro.

Fran le Kinky


martes, febrero 19, 2008

MACK SENNETT: EL ARTÍFICE DEL "SLAPSTICK".


Posted by Xavi Sans
Xavi Sans

(Richmond, Virginia 1.880- Hollywood, California, 1.960). Nombre artístico de Michäel Sinnott, actor, productor y director de cine norteamericano. Comienza su carrera interpretando pequeños papeles cómicos en la Biograph, -la productora de Griffith-, pero su época más brillante corresponde a sus creaciones a partir de 1.912 cuando Sennett funda la Keystone Film Company, al principio un pequeño módulo que fue ampliándose a medida que Mack Sennett pone en marcha su gran maquina de celuloide cómico, hasta acabar convirtiéndose en los estudios Paramount.

Creador del "slapstick",-payasada desmadrada con una impresa mala leche al describir las grandes desigualdades socio-económicas de la época-.

Fue el creador de las "Bathing Beauties" (bellas bañistas), peliculitas cortas con jovencitas menores de edad en traje de baño corto, que animaban a los hombres de la época, hasta que su proyección fue prohibida por los Comités de Moralidad que formaron las agrias sufragistas, -feministas-, de los años 10 del pasado siglo.

El cine de Mack Sennett, visto hoy en día, es de un simplismo y de un machismo aberrantes, con chicas menores de edad como objeto de deseo de rijosos tipos bigotudos, que las someten a salvajes vejaciones si osan hacer caso omiso de sus infames y libidinosos requerimientos. En estas excusas argumentales los rótulos de sus películas estaban llenos de chistes muy cretinos, donde Sennett se burlaba de las discutibles tesis sobre episodios históricos que sostenían los filmes de D. W. Griffith.

A Sennett no le interesaba para nada el realismo, y éstas chicas en bañador aparecían incluso en un decorado que representaba el Polo Norte, bajo una lluvia de palomitas de maíz, a modo de nieve.

Característicos fueron también los Keystone Corps, grupo de policías locuelos, -inspìrados en una especie de bobbyes ingleses que patrullaban por Virginia cuando Mack Sennett era un niño-; que dejaban estupefactos a los espectadores con sus temerarias persecuciones y batallas campales.

Esta espectacularidad se realizaba sin trucaje alguno, eso sí, el actor Ford Sterling y toda su troupe iban encocados hasta las cejas; ¡como si no serían capaces de meterse en la vía del tren con su auto completo de gente hasta los topes, o estrellarse con una lancha a toda leche contra unos escollos, saltando todos sus ocupantes antes del choque!

Las peleas de sus películas cómicas tampoco están fingidas, en plano-secuencia, los actores se arrean gran cantidad de puñetazos y patadas reales, y sufren toda clase de peligrosas caídas.

La cocaína parecía ser un requisito imprescindible para formar parte de la plantilla Keystone.

Uno de sus muchos gag-man, -escritor de secuencias cómicas-, en ésa época, fue Frank Capra que contaba como una mañana llegó Mack Sennett a los Estudios Keystone muy ilusionado, esgrimiendo un periódico, en él decía que tras una gran helada íba a vaciarse una presa para volver a llenarla después. Allí fueron los locos policías de la Keystone, con F. Sterling a la cabeza, a dejarse arrastrar por unas cuerdas por peligrosos remolinos de agua helada y carámbanos embarrados para rescatar a la bella morenita Mabel Normand, -que nadaba en el fango en esta secuencia, y en la vida real. Así se le ocurrían los débiles guiones de sus comedias a Sennett.

Pero sobretodo siempre se ha reivindicado a Sennett por ser el descubridor de actores de la talla de Fatty Arbunkle, de Slim Summerville, de Ben Turpin, de Mabel Normand, de Ford Sterling, de Chester Conklin, de Mack Swain, de Marie Dressler, de Gloria Swanson, y de su marido por aquel entonces Wallace Beery, de Harry Langdon, de Charles Chaplin y de Buster Keaton.

Y de muchos otros. Una impresionante cantera de actores cómicos.

Muchos de ellos terminaron en el ostracismo por verse envueltos en asuntos muy túrbios.

Estos actores solían ir acompañados de animalitos como el perro-actor Scrappe (Costras): Un perro ratonero blanco con el aspecto apacible de un vago, con una mancha negra en un ojo; o de un gracioso babuino que iba vestido con traje de marinero. Además de otras fieras amaestradas.

El perro Scrappe terminó en el logotipo de la productora de Sennett, -que pasó a llamarse Pathé-, donde se burlaban de la famosa cabecera de la Metro con el león rugiendo, poniendo a Scrappe ladrando en la cabecera de la Pathé. (En ocasiones también he visto también a un gallo peleándose con la cámara que le filma para el logotipo de la Pathé).

El babuino marinero se convirtió en toda una estrella apareciendo en el film "El Hermanito" junto a Harold Lloyd, -cómico descubierto por el productor de comedias rival de Sennett, Hal Roach, un hombre muy astuto-; el simio tuvo tanto éxito que inmediatamente fue contratado por la Metro para intervenir en film "El cameraman" junto a Buster Keaton.

Mack Sennett realiza el primer largometraje cómico de la historia del cine, compra una obra de teatro de gran éxito en Broadway y contrata a su protagonista, -la obesa lesbiana Marie Dressler-, pero no tiene ningún respeto ni por la obra ni por la diva de la escena, y en un alarde de desprecio y de cretinismo, la obra inicial: "Las aventuras de Tillie", pasa a llamarse en su muy libérrima adaptación para el cine: "Tillie´s Punctured Romance", -que no deja de ser un cortometraje hinchado pues termina igual que todos los filmes de Sennett hasta la fecha: con una persecución caótica, con todo el reparto dando y recibiendo hostias, y con mujeres engañadas y vejadas-.

A raíz de la enorme acogida del largometraje de tres bobinas "El picante romance de Tillie" de 1.914, de 40 minutos de duración,-en el que colaboraron los mejores cómicos de su factoría, como los ya citados Marie Dressler, que debutó en el cine; Charles Chaplin, en un inhabitual papel de vividor de ciudad; Mabel Normand, (esta merece un capítulo aparte); Mack Swain y Chester Conklin, (el Ambrosio y el Morsa en España), así como Edgar Kennedy y Ford Sterling con toda la tropa de polis de la Keystone-; un joven agresivo y desconsiderado, Charles Chaplin, al que el éxito se le ha subido a la cabeza, discute con Sennett violentamente y se va de la Biograph llevándose con él a la pareja cómica formada por Conklin y Swain, no está de acuerdo con el modo de dirigir comedias de su mentor y jura que lo hará mejor que él. (Lo bueno del caso es que no se equivocó). Chaplin fue uno de los fundadores de la Universal.

Otra pareja cómica, la formada por Roscoe "Fatty" Arbunkle y Buster Keaton siguen pronto su ejemplo.

El cine de Buster Keaton también parodia al de David Wark Griffith, pero con unos guiones mucho más pulidos y bien estructurados, en una maquinaria cómica mucho más precisa que los de Sennett.

Las comedias de Sennett se resienten un poco de estos éxodos.

En 1.915 la Biograph se úne a la productora Triangle aumentando así su poder hasta 1.917, año de su fusión con la Famous Players.

A partir de éste periodo Sennett produce sus mejores largometrajes tragicómicos,de gran éxito en su época: "Mickey", 1.918; "Molly O", 1.921; "Suzanna", 1.923; "The extra girl", 1.923; "Papás de medianoche", 1.929; "Hipnotizada", 1.931, entre otras...; -la protagonista de todas ellas era su amante: Mabel Normand, que dirigía estos films bajo seudónimo y bajo otras cosas, como veremos-; (por ésa razón me hace gracia uno de los títulos que interpretó y supervisó: "Hipnotizada").

MABEL NORMAND: LA RUINA DE SENNETT.

Una de las mejores actrices cómicas de la época, tras trabajar para Griffith en "The Squaw´s Love" de 1.911, es reclamada por Mack Sennett, rival de Griffith, -Sennett fundó la Keystone Film Company donde parodiaba todo cuanto a través de la Biograph el pionero Griffith rodaba en serio-. La dulce morenita Mabel de la pantalla, heroína de los "seriales" paródicos de su mentor, pronto cogió las riendas del estudio de éste.

Convertida en la amante de Sennett,- que permitió a la actriz dirigir sus propias películas-, Mabel Normand, alocada, celosa paranoica de otras bellezas en bañador, -como Gloria Swanson y Carole Lombard-, y muy ambiciosa, tuvo un final trágico, en el que tuvieron su protagonismo las drogas y el alcohol,-cada noche había una fiesta en su mansión. Desayunaba una copa de helado, para quitarse la resaca de la noche anterior, mientras se bañaba en champagne, así todas las mañanas; y continuaba bebiendo champagne mientras esnifaba cocaína durante el todo el día, la noche y la madrugada. Luego una píldora para dormir y otra para despertarse-; en ese estado histérico le puso los cuernos a Sennett con Charles Chaplin y pretendió pasarse a la competencia, es decir a la Universal; más tarde se vio envuelta en algunos escándalos,-dos de ellos con un caso de asesinato de por medio-, que precipitaron el fin de una brillante carrera que nunca llegó a pisar el cine sonoro.

El prestigio de Mack Sennett permaneció inalterable, a pesar de todos los escándalos en los que se vio envuelto.

En 1.937 Sennett recibe un Oscar especial por el conjunto de su obra y en 1.939 se asocia con la 20th Century Fox.

Su autobiografía la tituló orgullosamente "El rey de la comedia", y así le gustaba ser recordado.

Un admirador del "Toque Sennett": Preston Sturges:

El guionista de primera fila y director de comedias Preston Sturges recupera este primitivo "slapstick" en sus irrepetibles comedias de la Paramount:-en "Los viajes de Sullivan" de 1.941,-la escena de la roulotte persiguiendo un coche-; y -en "The Palm Beach Story"de 1.942,-la escena de los cazadores borrachos que destrozan un vagón de tren, con Chester Conklin entre ellos-.

Recopilación a cargo de Xavier Sans Ezquerra.


lunes, febrero 18, 2008

The Mansion of Madness (1973)

Esta locura perpetrada por la mente insana del director mexicano Juan López Moctezuma es una de las películas más delirantes y extrañas que he tenido el placer de ver; y eso, si contamos con mi afición hacia la arqueología cinematográfica, es decir bastante.

El film está ambientado en Francia, pero se rodó en inglés en México, y su argumento es una suerte de Cabinet des Dr. Caligari basado en un relato corto de E. A. Poe: El sistema del Dr. Tarr y el profesor Fether, con unos locos campando a sus anchas libremente en un hospital psiquiátrico regido por un lunático que ha conseguido hacerse con el control del centro y ejerce un poder despótico sobre el resto de pacientes.

Si la tesis de la película se adentra en los territorios de la locura, estableciendo una finísima línea divisoria entre cuerdos y locos, la forma de llevarla a cabo participa de esa fantasía que elogia lo bizarro y los desvaríos de la mente. El periplo de anomalías se inicia ya en los títulos de crédito, con unas imágenes extraídas del final de la película pasadas a negativo y teñidas de rojo. A partir de aquí, ambientes enrarecidos, estampas de lo insólito (incluyendo extraños ritos y danzas) y vómitos del subconsciente, se darán cita, en una procesión de sorpresas visuales; dignos elogios de la locura en cualquiera de sus manifestaciones. Puedo ponerles el ejemplo del hombre-pollo (que, por supuesto, cacarea y viste de plumas), y al que dejan vivir en el corral y es alimentado a base de pienso en beneficio de su curación.

Este ejercicio manierista, que posee algunas de las escenas más extraviadas que he visto nunca, no sé si podría describirse como una película de terror, un documental sobre la condición humana o una sátira política. Posiblemente sea las tres cosas al mismo tiempo. Su imaginería de lo grotesco bebe de directores como Ken Russell o Fellini, erigiéndose en un altar de liberación de los instintos animales del hombre.

En cualquier caso, “The Mansion of Madness” es toda una curiosidad y una película cuyo visionado proporciona un extraño placer exento de culpa. El de sabernos locos y acompañados.

viernes, febrero 15, 2008

A 45 RPM!!! Taxi


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5. Los Impala. Taxi/ Todo es extraño.

Para hablar de este tema me remontaré como en otras ocasiones a una de esas allnighters que gusto de ir. Año 1998, el Opening Up de Barcelona contaba como sede de auténtico lujo en aquella ocasión la desaparecida discoteca Jimmy’s, situada en la zona pija. Recuerdo un ambiente extraordinario, mucha gente venida de fuera, mi camisa paysley que se había agujereado por una axila, y por lo cual apenas pude bailar esa noche, y ese temazo, presumiblemente pinchado por Félix Explosión.

Ni una reedición de este grupo venezolano en CD, y los temas que han ido apareciendo en volúmenes como El Soul es Una Droga o Sensacional Soul están bien, pero no llegan al encanto de este tema de divertida letra y un ritmo que una vez más se basa en el Taxman de los Beatles. Se podría hacer un estudio tanto de la influencia de este tema en los rompepistas de mediados de los sesenta, como de la influencia que deben los de Liverpool a la música Soul y el incipiente Funk. Basta de reivindicar el Sgt. Peppers o el White Album, para mí la verdadera esencia del sonido de Lennon, Macca y los demás se la debemos a temas como este, o como Hey Bulldog, o Paperback Writer.

Volviendo al tema en cuestión, tiene algo de lo comentado y mucho humor, como he dicho antes, algo bastante común en las bandas de Beat latinoamericanas, y parece que se volvieron más serios cuando se volvieron progresivos y le añadieron el sustantivo Syndrome para grabar su cotizado canto del cisne. Este, el disco de Impala Syndrome, se puede encontrar guapamente reeditado por Wah Wah Records, y no es muy difícil encontrar copias originales del mismo en torno a los 90 euros.

Unos pocos menos me costó a mí el original del single que da título al post de hoy, que fue un verdadero capricho (no diré lo que me costó pero seguro que se puede encontrar bastante más caro por ahí) y la verdad la historia de la adquisición es bastante más prosaica que las que últimamente les vengo contando sobre mis pesquisas de “busca y captura” de la canción perfecta.: ir a Daily Records, echar un vistazo a la cubeta de los singles, encontrar la ansiada pieza y pagar al bueno de Roger. Por cierto, si se me permite hacer publicidad, echen un ojo a su web ya que le han llegado mogollón de cosas interesantes de segunda mano.

Pero una vez más todo esto me ha servido para hablarles de mi pasado musical, y de mis peregrinas teorías, sobre las cuales alguna vez me extenderé mucho más.

Que ustedes lo disfruten.

Fran le Kinky


miércoles, febrero 13, 2008

The Soft Sea

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Lost Driver

Overture to the Soft Sea


Bajo un fondo de olas marinas, la varonil voz de Jesse Pearson nos dibuja la escena: “El mar nos rodea. Eso es todo lo que necesitamos. Nosotros... así como permanecemos... nosotros.”

Esta simple pero profunda evocación es el inicio del álbum “The Soft Sea” (Warner Bros Records, 1970). Perteneciente a una trilogía que glosa sobre el elemento marino (junto a “The Sea” y “Home to the Sea”), tiene su base en la música de la compositora Anita Kerr y las reflexiones poéticas de Rod McKuen. La ejecución instrumental corre a cargo de la orquesta The San Sebastian Strings.

Con títulos como “Wake Up”, “The Monotony of Games”, “What About Tomorrow?” o el más evidente “Naked in the Sunlight”, el disco nos regala diversos instantes de auténtico ensueño. El ensueño mágico del amor de una pareja con el mar como fondo para una serie de reflexiones sobre la vida, la naturaleza y el amor en libertad, todo aderezado con ora melancólicos, ora vitalistas pasajes musicales. Vamos, lo que en un nivel más prosaico llamaríamos “música para enrollarse”.

Sin embargo, no puedo dejar de ver en este The Soft Sea –así como en otros muchos ejemplos de estas grabaciones- un elemento extra, que bien podría estar ligado a la idiosincrasia de otro tipo de material de la época tales como libros, o películas, en los que esta idealización del concepto de amor y el despertar sexual provoca una cierta imagen cómica en ocasiones, en el que escribe estas líneas. Tal vez fuera esta la base de parodias como la de la famosa escena de literal “enrollamiento” que tiene lugar en el flashback de los dos enamorados en la isla en “Aterriza como puedas”, a su vez inspirándose en “El lago azul”.

Quizá tenga la culpa la voz de Pearson, tan perfectamente masculina que puede ser tomada a veces un poco a risa. Estamos aquí pues, otra vez, ante un cocktail de sentimientos encontrados.

Por lo que respecta a su musicalidad, también diré que es un álbum con episodios francamente ‘sampleables’, aunque quizá no en la manera más obvia de, por citar un ejemplo, los álbumes de David Axelrod, un caso más serio en todos los sentidos.

Simplemente disfruten, rían o lo que quieran ante “The Soft Sea”. Los descubrimientos son para eso, ¿no?

Naked in the Sunlight

Posted by Lost Driver


martes, febrero 12, 2008

De lo Fantástico Visionario (VI): “Entreacto de la Apoteosis” de Leonor Fini

Nuestro mago Cocteau dijo de ella: «Tout ce surnaturel lui est naturel. On ne saurait imaginer d'autres acteurs, ni d'autres décors, que ceux qu'elle tire du théâtre de son âme

Leonor Fini fue una artista de lo fantástico sin creer en la diferencia entre fantasía y realidad. Expuso con los surrealistas sin sentirse identificada con el movimiento. Trabajó para el teatro, ilustró novelas e incluso diseñó frascos de perfume de igual forma que se dedicaba a su pintura… Todo lo que hacía era ella, pero manteniéndose como un encantamiento en la sombra, como un enigma.

“I paint pictures which do not exist and which I would like to see”

Su marido, el escritor André Pieyre de Mandiargues, decía de ella que era un delicioso monstruo felino, y algo de gata tenía Fini, ya que convivía con más de treinta mininos en un piso invadido por muebles modernistas y figuras decorativas.

Obsesionada con la muerte ya desde bien pequeña, se colaba en la morgue para dibujar cadáveres y sus cuadros siempre estuvieron ocupados por calaveras y esqueletos, así como de los más variados seres mitológicos. Se decía que otra de sus fuentes de inspiración fue una esfinge de su jardín sobre la que le encantaba cabalgar, motivo que después desarrolló en sus criaturas femeninas con la mitad inferior leonina.

En “L’Entracte de L’Apothéose” se autorretrata en un ser delicadamente andrógino, cuya feminidad atrapa al espectador en un voyeurismo tenso. La heroína se desprende de sus medias mirando al espectador, mientras tres terribles damas la rodean por detrás desprendiéndose de sus atributos de mujer. Las tres Parcas, o Brujas, o Furias, abandonan los largos cabellos femeninos y se arrancan incluso los rostros como si se de una segunda piel se tratasen. Máscaras. La obra se convierte en un juego de apariencias donde la belleza se besa con el horror para hipnotizar al espectador en una danza macabra de la vida.

La Apoteosis, la plenitud, tiene que pasar forzosamente por esta escena nocturna, por este paisaje de revelación, integrando el cuadro en la tradición alquímica que describe la obtención de la condición divina a partir de una fase negra o de podredumbre. Los elementos paganos y la imaginería de la ascensión mariana se unen sin rubores en un ambiente de pesadilla, mientras, los que soñamos, no podemos dejar de mirar al ser esbelto que muestra sus misterios.

viernes, febrero 08, 2008

La Nariz de Moritz

Mira Lobe. La Nariz de Moritz. A partir de 9 años.

La niña le miró de reojo por entre sus rubios mechones y le entregó la llave.
-Será que la cerradura está estropeada. Pruebe usted si quiere.
Moritz metió la llave en la cerradura.
-¡Ya está, abierta!
La niña dio un salto y le abrazó contentísima. Como era la mitad de alta que él, el abrazo fue a media altura. Su frente rozaba la barriga de Moritz.
-¡Qué duro es usted! Mi padre es mucho más blando.

***

-¿Y yo? –preguntó Dula-. Huéleme – y se acercó, y rodeó su cuello con los brazos, y aplastó su naricita contra el pecho del cartero.
Moritz aspiró el olor de Dula. Tanto, que ella oyó el sonido de su respiración.
-Hueles a manzanas frescas –y tras una pausa-: A mí me gustan las manzanas. Sobre todo las manzanas frescas.
-Entonces todo va bien. Podrías esperarme y nos casaríamos.
Dula le rozó la mejilla y le entró risa porque sintió el picor de su barba.
-Tú estás soñando, Dula. Yo tengo casi el triple de años que tú –y Moritz se echó a reír.
Ella sacudió la cabeza.
-Ya los he contado. Una diferencia de doce años no es tanto. El año que viene tendré nueve años, el siguiente diez, y con dieciséis ya me puedo casar. Para entonces casi te habré alcanzado: solo cuatro años de diferencia.
-Pero Dula, ¿tú cómo cuentas? Yo también seré entonces más viejo que ahora. Cuando tú tengas dieciséis yo tendré casi treinta. No querrás un marido tan viejo.
-¿Cómo que no? –le abrazó con todas sus fuerzas-. Y entonces viajaremos a la isla, ¿verdad? La de las palmeras y los cocoteros, y seremos como Robinson. Yo llevaré un largo collar de corales.
-Y yo una barba larga –dijo riendo Moritz-. Yo construiré una casa, iré de caza y de pesca, y tú guisarás y lavarás la ropa.
Dula se puso seria.
-No hará falta lavar. Allí hará calor y no llevaremos nada.

Mira Lobe nació en Görlitz (Alemania) en 1913. Tras varios años de residencia en Palestina, se trasladó a Austria y adoptó la nacionalidad austríaca. Tiene en su haber una gran cantidad de títulos dedicados a los más pequeños. Ha sido galardonada con el Premio Nacional Austríaco de Literatura Juvenil en 1958 y en 1965, y con el Premio de la Ciudad de Viena en 1961, 1965, 1968, y 1970. Sus obras han sido traducidas a prácticamente todas las lenguas europeas

miércoles, febrero 06, 2008

A 45 RPM!! Love on a plate


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6. The Glass Candy. Love on a Plate/Johnny, are you a Queer?

He aquí una muestra de amor hacia una canción. Hará cosa de cinco años, mis amigos y yo gustábamos de ir los domingos al bar Benidorm de la barcelonesa calle Joaquim Costa, donde además de tomar la última del finde, si había suerte pinchaba Arnau, curioso personaje miembro de bandas como Omega Cinco o The Cheese, medio hardcore kid, medio fashion victim. ¡Pero como pinchaba el tipo! Cosas de punk bailable que no conocía nadie, algo de electrónica y hip hop, y grupos como Go Go Go Airheart, The Rapture o !!!, antes de que la modernez más provinciana se fijara en ellos. Si recuerdan el post de Starlite Desperation, él fue el que le grabó a Marta la cinta que al final pasó por mis manos.

Volviendo al tema, una de las cosas que pinchaba eran los Glass Candy, aunque yo todavía no lo sabía. Por aquella época un servidor colaboraba en un programa de radio llamado Días de Rubias donde solía venir gente con sus discos para hablar de ellos y ponerlos. En esas que un día viene uno de los pelotas de Arnau, igual de fashion victim pero un poco menos avispado musicalmente, con el disco que titula el post. ¡Un pedazo de dinamita era aquello! Punk del que se puede bailar, con voz femenina de esas que a la vez enervan y excitan, y un envoltorio realmente bonito, como pueden apreciar. El vinilo coloreado acabó de seducirme. Le pregunté si Arnau vendía aquel disco y me dijo que sí, y que al parecer otro de los singles de esta gente les había diseñado la portada un amigo común, miembro de otro de esos grupos del underground hardcore, los Mushitcians.

El caso es que tampoco le tenía la confianza suficiente como para pedirle una copia del single, o yo que sé, pero no pude hacerme enseguida con el disco. Poco después se celebró en Cerdanyola el Altamira Hardcore Festival, donde tocaron entre otros Omega Cinco. Y Ozono Kids, el sellito que llevaba Arnau, tenía puesto de discos. ”Veo los grupos que me molan, y luego me pillo el disco” -pensé. Pero un servidor no estaba para aguantar toda una tarde noche de ran ran con distorsión, y cuando faltaban dos o tres grupos todavía, voy y me quedo dormido al final del recinto. Cuando me despierto, voy a ver si me pillo el disco, pero… ¡habían recogido el puesto! ¡¡Otra vez sin él!!

Al final averigüé que los del Benidorm habían abierto una tienda de discos enfrente mismo del bar, la efímera Cable Records, y me enteré que Arnau tenía discos allí. Bueno, pues me lo pillé allá. Recuerdo a la dependienta guiri que no se enteraba mucho del tema. ¡Y lo contento que estaba yo con el disco! Más adelante me pillé otro de la misma gente, que traía de regalo un imán de esos de nevera con un dibujo de la cantante.

Y efectivamente, este tema es infalible a la hora de pincharlo, suelo ponerlo en una misma secuencia antes de X Ray Spex, Pere Ubu y el Killing an Arab de los Cure. Y siempre preguntan qué es…

Fran le Kinky


martes, febrero 05, 2008

Sobre Comics: LA CONTRACULTURA NORTEAMERICANA DE LOS AÑOS 60, DEFINIDA POR ROBERT CRUMB. Primera parte.


Posted by Xavi Sans
Xavi Sans

Durante un tiempo, captó un espíritu. A decir verdad, ayudó a definir la contracultura americana de los últimos años sesenta. Se trataba de Robert Crumb, cuyos "cartoons" aparentemente indisciplinados, engañosamente sencillos, con sus vueltas y revueltas a menudo extravagantes, su lógica no lineal y sus asociaciones libres, confusas, irreales, afrontaban la experiencia de la droga y la sensibilidad "hippy".

Los comix "underground" de aquella época, con dibujos psicodélicos, (Moscoso); relatos graciosos sobre la droga, ("The Freak Brothers" de Shelton); prédicas ecológicas de aire agorero, ("Slow Death"); y la política revolucionaria de izquierdas ("Trashman" de Spain); ahora parecen irremediablemente anticuados e irrelevantes. Pero los comix de Crumb conservan una gran frescura, tal vez eran deliberadamente anacrónicos en su estilo, y por tanto intemporales ya en su momento. Pero cuando otros dibujantes "underground" y su obra llevan tiempo en el olvido, lo mejor de Robert Crumb sigue leyéndose.

Los comix "underground" de Crumb se burlaban del orden establecido, ridiculizaban cruelmente todo lo que oliera a deber o responsabilidad y subvertían todos los convencionalismos del sentido común y el pensamiento lógico. Su obra éra la anarquía en marcha, el absurdo convertido en militante. Robert Crumb parecía ser el "hippy de lo hippy".

Crumb nunca llegó a formar totalmente parte del movimiento que le proclamó su portavoz. "Nunca me sentí realmente parte de ello", dijo a un entrevistador: "Era como una espécie de reportero procedente de otro planeta".

A veces sus sátiras contra las pretensiones de la contracultura eran más duras que sus denuncias de la opresión de la cultura prioritaria; en otras ocasiones demostraba ser muy consciente de ciertos hechos de la vida que los "hippies" preferían olvidar; (como hizo en un cartel en el que se veía a uno de sus personajes mas famosos, "Mr. Natural", montado en un tractor con el que araba un campo; en el texto del dibujo rezaba: "¡Así ha sido siempre!").

Aunque carecía de formación y, en general, era autodidacta, y aunque abandonó un estilo más moderno y más sofisticado por otro que resucitaba deliberadamente el enfoque arcaico de los "cartoons" de los años treinta, el estilo superficialmente ingenuo de Crumb era el vehículo de un ojo penetrante que observaba a la naturaleza humana, de un oído asombrosamente perceptivo que sabía captar la forma en que la gente realmente habla, de un don para los giros verbales, y de un provocativo y endurecido sentido común; con una mirada decididamente nihilista del mundo que le rodeaba.

Nunca se desvivió por complacer a su público, nunca aceptó un compromiso para alcanzar el éxito comercial; sencillamente "íba a la suya"; y trata de seguir haciéndolo, pese a que el desfile de los años ha pasado por su lado sin detenerse.

Robert Crumb nació el 30 de agosto de 1.943 en Filadelfia, Pennsylvania, en el seno de una familia de la baja clase media.

Como su padre éra oficial de carrera de la infantería de marina, la familia Crumb se trasladaba frecuentemente de una ciudad a otra, siguiendo al padre en sus destinos sucesivos. Crumb y tres de sus cuatro hermanos y hermanas se pasaron la infancia dibujando, principalmente animales graciosos, influenciados por los dibujos animados y los comic-books de la época. A los siete años de edad Crumb ya dibujaba las aventuras de personajes como "Diffy the Mouse" y "Brombo the Panda".

Crumb ha calificado de insatisfactorios sus años en la escuela superior:

"Me rechazaban mis iguales, ¿sabes?...; era una de esas personas socialmente rechazadas...; Yo trataba de competir, de entrar allí y hacer lo que tenías que hacer para ser un adolescente típico, y sencillamente fracasé de forma lamentable. Como era un ser despreciable, nadie simpatizaba conmigo. Experimentaba una horrible, dolorosa sensación de rechazo. Hubo un período de diez años durante el cual me sentí ferozmente alienado del mundo. Es probable que de no haber sido así, nunca me hubiera metido tan de lleno en el mundo de los cómics".

Crumb se pasaba el día dibujando e incluso produjo una revista ("Foo") con su hermano en 1.958. Faltaban aún varios años para que los aficionados americanos a los comics formasen un cuerpo organizado o sindicato, por lo que los hermanos Crumb no tenían donde vender su revista salvo yendo de puerta en puerta, con resultados catastróficos.

Tras graduarse en la escuela superior, Crumb se pasó un año en casa, luego se trasladó a Cleveland, Ohio, y en 1.962 consiguió un empleo en una compañía de postales de felicitación. Si bien su asociación con esta compañía duraría hasta 1.967, tanto en plantilla como dibujando en casa y enviando sus trabajos por correo, Crumb empleaba su tiempo libre en dibujar comics.

"Dibujaba comics por la misma razón de siempre", recordaría más adelante: "Para no tener que tratar con otras personas".

También afirmó que su permanencia en la compañía de postales influyó en su estilo, empujandolo hacia lo atractivo.

En 1.964 Crumb se trasladó a Atlantic City, New Jersey, donde ganaba dinero retratando a turistas en la playa; y luego a Nueva York, donde realizó una serie de dibujos de Harlem que aparecerían en "Help!", la efímera revista humorística de Harvey Kurzman. Se casó con una muchacha que había conocido en Cleveland y en octubre la pareja emprendió una gira de seis meses por Europa. Sus dibujos de la vida en Bulgaria se publicarían más adelante en "Help!".

Hasta entonces el estilo de los "cartoons" de Crumb era contemporaneo, sobrio y ligeramente abstracto, dibujado libremente con trazos finos, muy parecido al de otros muchos dibujantes que trabajaban con pluma y tinta. A mediados de 1965 su estilo cambió drásticamente. El propio Crumb atribuye el cambio al hecho de que empezó a tomar ácido (LSD) en junio de aquel año:

"Eso me volvió la cabeza en redondo. Hizo que dejase de tomarme mi trabajo tan en serio y me mostró una faceta totalmente distinta de mí mismo".

Sin embargo, el cuñado de Crumb dice que el cambio de estilo tuvo lugar en el otoño de 1.965, momento en que Crumb quedó impresionado al ver unos comic-books de los años cuarenta y comenzó a imitar su estilo. Posteriormente muchos críticos afirmarían ver en su trabajo trazas de todo un ejercito de "cartoonists" anteriores, entre los que se cuentan Billy DeBeck, Elzie C. Segar ("Popeye the sailor"); Basil Wolveron, Carl Barks y Walt Kelly.

Pero tanto si la influencia fué del LSD, de los comic-books antiguos o de los comics para la prensa todavía mas antiguos, como los de George Herriman ("Krazy Kat & Ignatz the mouse"); lo cierto és que el estilo que Crumb haría famoso al cabo de poco tiempo ya estaba firmemente definido.

De vuelta a los Estados Unidos, Crumb anduvo sin rumbo fijo de ciudad en ciudad y finalmente llegó a San Francisco a principios de 1.967, a tiempo para ver con sus propios ojos el gran auge del movimiento "hippy", que tenía aquella ciudad como templo, y que causó sensación en todos los medios de comunicación del país. Era la época del "Flower Power", del "haz el amor y no la guerra", del "sintoniza, flípate y margínate", del "no pises la hierba, ... ¡fúmatela!", de las drogas psicodélicas y el rock ácido, de los "love-ins", (reuniones donde los asistentes celebraban o expresaban el amor libremente), y del "verano del amor"...; la época en que la imaginación de la joven América quedó embelesada por la visión de dejarse el pelo largo, de llevar sandalias y abalorios orientales, de tomar drogas y copular cuando le apeteciera, de decir no a una guerra impopular y a todo el sistema político y económico en el que sus padres incomprensivos se encontraban atrapados, de la pretensión de establecer un nuevo orden social basado en el amor y en el compartirlo todo. Crumb, el eterno inadaptado, se encontró en medio de todo esto, pero sin formar parte de ello: no había ído a San Francisco "con una flor en los cabellos",-como decía una canción popular de la época-.

Desde hacía algún tiempo el trabajo de Crumb aparecía en periodicos "underground" como el "East Village Other" de Nueva York y el "Yarrowstalks" de Filadelfia. El editor del "Yarrowstalks" encargó todo un comic-book de dibujos y relatos de Crumb, pero luego desapareció llevándose el material consigo. Por suerte Crumb conservaba una fotocopia de su trabajo, como el número 0 de "Zap".

En noviembre ultimó el material para el número 1 de "Zap" e hizo gestiones para que fuese publicado localmente por un par de amigos, Don Donahue y Charlie Plymell. Este último era propietario de una imprenta y Donahue pagó la impresión de los primeros cinco mil ejemplares del número 1 de "Zap" cambiandosela a Plymell por un magnetófono. Con la publicación de "Zap" la carrera de Crumb y, de hecho, todo el movimiento de los comix "underground" iniciaron su marcha... Aunque al principio Crumb y su muy embarazada esposa tuvieran que vender los ejemplares de la revista, que llevaban en un cochecito de bebé, a los transeúntes de las calles de San Francisco.

Durante los años siguientes Crumb produjo un enorme volumen de trabajo, principalmente para los circuítos "underground". Parte de este material fué reeditado por la prensa afín a éste movimiento contracultural, por ejemplo en "R. Crumb´s Head Comix" (1.968), un álbum de 64 páginas y gran formato publicado por la Viking Press, donde atrajo la atención del público ajeno a la contracultura. A proposito, la edición Viking de "Head Comix" censuró una de las viñetas de Crumb añadiendo una cinta estrategicamente dibujada sobre lo que antes era una vagina que silbaba, pero cuando Ballantine Books reimprimió el volumen en 1.970 la viñeta apareció en su forma original.

La creciente popularidad de Crumb le hizo recibir ofertas de trabajo del "establishment" (nombre que la contracultura daba a la sociedad capitalista en general). Aceptó dos de ellas. Una éra la carpeta de un disco para la Columbia Records: "Cheap Thills", interpretado por un grupo de rock llamado "Big Brother and the Holding Company", (al que hoy se recuerda principalmente porque Janis Joplin formaba parte del mismo). El otro encargo consistía en un volumen de relatos sobre un personaje que ya había aparecido en 1.969 en la editorial Ballantine: "El gato Fritz".

Lo sorprendente de "Fritz the cat" es que, si bien este gato paria, antisocial, irresponsable, permanentemente cachondo, xenófobo, racista, machista y estafador, se convertiría en la más famosa de las creaciones de Crumb, era tambien un personaje que Crumb acabó detestando. (Tal vez porque tenía algo de autobiográfico, ya que Fritz, como Crumb, trataba de involucrarse en todos los movimientos socio-culturales y políticos de los 60 sin lograr integrarse en ninguno). Había dibujado sus aventuras entre 1.960 y 1.965 en su estilo pre-LSD, tras lo cual habían permanecido olvidadas varios años en un cajón.

Uno de los relatos, "Fred, the Teenage Girl Pigeon" , fué publicado en "Help!" en 1.965, aunque a Fritz no se le identificaba de nombre. En el relato un astro felino del rock (Fritz), es perseguido por la "groupie" (Fred) hasta que él se la lleva a su habitación de hotel. Pero en lugar de copular con ella, como haría un astro humano del rock con una de sus seguidoras, se la come. El es un gato y ella una paloma, después de todo. Se trata de un comentario bastante inquietante sobre los convencionalismos de los comics protagonizados por animales humanizados que no se comportan como los animales que se supone que son. Lo significativo de "Fred" és que el relato se narra por medio de una estructura humorística convencional que Crumb abandonaría, en pro de una satira social más mordaz. Así en el nuevo "Fritz the Cat" los judíos son comadrejas, los nazis y los policías son cerdos, los negros son cuervos y los políticos son perros. Un ya artísticamente maduro Crumb rompe las fómulas tradicionales de narrar

"Fritz the No-Good", fué otro relato de Fritz dibujado por Crumb en 1.968, sin mucho interés y principalmente para completar la publicación correspondiente, pero la suerte quiso que Fritz alcanzara una popularidad considerable. Los productores de dibujos animados Steve Krantz y Ralph Bakshi propusieron a Crumb la cesión de derechos para la realización de una película protagonizada por Fritz. Así fué como "Fritz the Cat" llegó finalmente a los cines en 1.972. Fué la primer película de dibujos animados clasificada "X", (en América se clasifican como "X" principalmente las películas cuyo contenido sexual se juzga demasiado explícito para los menores de 18 años). El propio Crumb no había tenido nada que ver con la produción de la película y el resultado le desagradó tanto que exigió que su nombre fuese borrado de los créditos. Fuese o no fiel a la concepcción original de Crumb, la película fué un éxito de taquilla y, si bien hubo división de opiniones entre los críticos, en general las críticas fueron positivas. En su autorizada guía de las películas por televisión, el crítico Leonard Matlin calificó a "Fritz the Cat" de "imperfecta pero atractiva" e "imaginativamente concebida", concediéndole tres estrellas, (la puntuación máxima era de cuatro).

Crumb se sintió traicionado al ver lo que habían hecho con su creación. Despues del estreno de la película contraatacó en una publicación "underground" titulada "The People´s Comics" con el último relato de Fritz, que tardó mucho en publicarse. En las viñetas de éste episodio final, titulado: "Fritz the Cat in Hollywood" Fritz era presentado como un astro de la pantalla egoísta, cruel y neurótico que acababa asesinado con un punzón para romper el hielo por una amante, (una avestruz), a la que que había desdeñado y por ello sufría una fuerte depresión. Por desgracia para la tranquilidad de ánimo de Crumb, si bien el podía liquidar al personaje, el productor Krantz aún tenía en su poder los derechos para otra película. Pero "The Nine Lives of Fritz the Cat", que se estrenó en 1.974, fué un desastre tanto económico como artístico.

Puede que Crumb alcanzara cierto grado de fama y éxito con Fritz, pero su primer amor era el comix "underground", donde gozaba de libertad para escribir y dibujar lo que le apeteciera sin tener que pensar en consideraciones comerciales. Entre finales de los años sesnta y madiados de los setenta, de su subconsciente salió un torrente al parecer inagotable de singulares "cartoons".

"Todos nosotros..., todo el mundo (tenemos) la cabeza llena de cosas raras", explicó en una entrevista: "Antes me censuraba a mí mismo cuando dibujaba "cartoons". Pero ya no me censuro, eso es todo".

Escribió y dibujó comix enteros con títulos como "Big Ass", "Home Grown", "Despair" y "Uneeda". Uno de sus personajes más populares, "Mr. Natural", fué incluso objeto de dos revistas monográficas. Crumb también colaboró mucho en otras publicaciones "underground", aunque en el título que él había empezado, "Zap", parecieron otros dibujantes ya en el número 2, a la vez que la participación de Crumb, que éra la que más hacía vender la revista, fué disminuyendo a cada número.

En 1.972 sus comix se vendían a razón de unos diez mil ejemplares a través de "head shops", (comercios especializados en artículos para "hippies" y consumidores de marihuana), y en las librerías y quioscos más vanguardistas, y, a decir verdad, gracias a su trabajo subsistían dos editores modestos del "underground".

Crumb había abandonado San Francisco para instalarse en una granja californiana donde podía dibujar en paz, rechazando lucrativas ofertas de editores del "establishment". "Hacer comics. Es lo único que quiero hacer" ,dijo a un entrevistador: "No quiero ser un propagandista. No puedo. Lo que hago mejor es sencillamente expresar mi propia absurdidad personal o lo que sea. Solo me siento cómodo haciendo eso".

Al examinar la obra de Crumb, uno tal vez se sienta tentado de sacar la conclusión de que se quedó corto al hablar de su "absurdidad personal"; y de preguntarse

"¿Qué significa todo?", -como hacía Flakey Foont, el personaje eternamente angustiado creado por Crumb-, quizás habría que escoger la respuesta que diera su personaje "Mr. Natural": "D´ONT MEAN SHEEIT..." ("No significa una mierda", o "No me vengas con mierdas"); -grosero modismo americano que indica no sólo falta de significado, sino también un considerable grado de desprecio por la pregunta misma-.

Crumb, de modo parecido a su gurú barbudo "Mr. Natural", se muestra sucesivamente maniático, contradictorio, oscuro, -o incluso alegremente perverso-. Intentar analizar el posible significado subyacente de la obra de Crumb és como asesinar su obra, porque en ella todo es demasiado desorganizado y poco sistemático como para resistir un exámen lógico. No trata de comunicar ningún mensaje aparente, sino que a menudo lo único que hace es sacar su sentido del humor a dar un paseo. Crumb es reacio a seguir una línea de partido, dá rienda suelta y todo el mundo sucumbe bajo su plumilla:

Ha ofendido a las feministas presentando a las mujeres como objetos sexuales sin cerebro, a los judíos y a los negros por utilizar todos los arcaicos estereotipos raciales de los que se nutrían muchos "cartoonists", y a los lectores más politizados por satirizar tanto a la izquierda como a la derecha. Y todo el mundo, hombres y mujeres, de derechas o de izquierdas, negros y blancos, le han criticado por sus interminables presentaciones del sexo como algo desprovisto de amor, destructivo incluso. A pesar de ello, ningún otro "cartoonist" se ha expuesto tan inexorablemente a sí mismo en la página impresa. "Mi vida és un libro abierto... ¡hasta cierto punto!", escribió en una asombrosa muestra de introspección, "The Confesions of R. Crumb".

"Soy un fracasado, un imbécil y un bufón. Mis chistes no tienen gracia ¡y mi ego es una cosa repulsiva!".

Dificilmente encontraríamos otro "cartoonist" vivo que presentase a su propia madre haciéndole una felación, como Crumb hizo en "Confesions..."

Si hay que buscar un significado, puede que éste resida en el hecho de que Crumb no és un hombre especialmente culto. A decir de todos, fué un estudiate mediocre en la escuela superior, ya que prefería dibujar "cartoons"; y no fué a la universidad. Tampoco parece,- a juzgar por su obra-, que haya leído mucho. Su obra se vé informada por una ignorancia bruta y por la percepción de la vída que le rodea de manera inmediata, pero carece de una visión global y de la percepción de inquietudes intelectuales que pudieran darle una mayor enjudia. Crumb se interesa por algunas tendencias culturales como el jazz y la música popular de los años veinte y treinta, pero la ciencia, el arte y la historia se la soplan. En general, su obra se vé atrapada en una repetición interminable de niveles de percepción muy básicos: sexo, drogas, sexo, excrección y más sexo. Las opiniones políticas de Crumb, -si es que existen en alguna parte-, son una mezcla de sentimientos viscerales de la baja clase media y de la retórica radical de finales de los sesenta y del socialismo comunalista basado en "la vuelta a los orígenes", recogidos probablemente por haber vivido y trabajado en San Francisco cuando semejante punto de vista estaba de moda. En 1.974 dijo a un entrevistador que él, Crumb, éra partidario de un "socialismo práctico" que arrebataría las grandes industrias de manos privadas, pero añadió que "no vale la pena hacer una revolución si, una vez terminada, sigue habiendo represión".

A veces Crumb empuñaba la plumilla con una intención pretendidamente seria. Su obra "Jumping Jack Flash!" ha quedado como la visión escalofriante de una "familia" como la de Charles Manson; una familia de asesinos cultistas. La obra contiene una notable reproducción de la jerga cultista, aunque el efecto resulta muy perjudicado por un comentario muy cretino al final, indicando que: "los Charles Manson´s de este mundo son lo que son por culpa de mujeres simplonas que son lo bastante estupidas como para creerse sus delirios lunáticos de superioridad con respecto al hombre".

Otro trabajo poco serio fué una serie pensada inicialmente con la finalidad de ofrecer un servicio público donde advertiría sobre los peligros de las anfetaminas,- titulada "Los peligros de la velocidad"*-, que al contener apartados burlones y "gag´s" visuales de dudoso gusto puede que fuese más contraproducente que otra cosa.

*Juego de palabras bastante facilón: "Speed" en inglés literal significa: "velocidad", pero también se designa así a las: "anfetaminas"

Curiosamente, quizás la aportación más duradera de Crumb a la cultura americana popular sea algo que hizo como un "gag" eventual y que, inexplicablemente, cuajó incluso entre los americanos que nunca habían oído hablar de él. El entusiasmo de Crumb por la música antigua le llevó a descubrir un paso de baile de los años treinta que estaba practicamente olvidado, en el que se decía que los bailarines hacían el "truck".

Crumb dibujó un "cartoon" en el que se veía a un hombre con el pié marcadamente escorzado. Debajo del "cartoon" estaba escrito "Keep on trucking!" ("¡Seguid haciendo el truck!"). Apareció en el número 1 de "Zap" en 1.968. Otro "cartoon" con el mismo tema apareció como portada de una revista llamada "Nope" más o menos en la misma época, aunque era distinto el enfoque del pie grande y del motivo del "trucking".

Crumb dijo que nunca se propuso que el "Keep on trucking!" fuera algo más que un non sequitur que dibujó principalmente porque tuvo ganas de dibujarlo. El paso de baile original estaba olvidado, (hay una alusión a él en "Dumbo", la película de dibujos de Walt Disney de 1.941, cuando la escena de "el sueño de los elefantes rosados", diseñado por Salvador Dalí, que llamó poderosamente la atención de Crumb durante su infancia). El caso és que el motivo del pié grande y el lema cuajaron. Quizas en la misma absurdidad del "slogan" estaba su atracción. En inglés se llama "truck" a un vehiculo de motor destinado al transporte de carga, es decir, un camión, pero trambién a las camionetas y furgonetas se estaban haciendo populares para fines recreativos, además de comerciales. El "hippie" se compraba una furgoneta para huír a los bosques, o para el cazador dominguero que disponía de furgoneta "Keep on trucking!" era un lema alegre y una declaración de intenciones. (Aunque, personalmente, creo que se trataba de una trasnochada parábola social-política donde Crumb trata de denunciar la alienación de las masas advirtiendolas de que "todos marcamos el mismo paso, como los borregos"; asunto que fué interpretado de manera contraria a las intenciones de su autor).

De pronto el "Keep on trucking!" y variantes del pié grande aparecieron en camisetas, botones, vasos, chapas, carteles, fundas de neumáticos de recambio, guardabarros para camiones, toallas, cinturones de cuero, y casi todos los objetos imaginable; prácticamente ninguna de ellas autorizada por Crumb. Durante varios años Crumb disfrutó de unos ingresos ininterrumpidos a medida que su abogado iba demandando uno tras otro a los fabricantes de mercancía no autorizada... hasta que en 1.976 un juez dictaminó que "Keep on trucking!" y "Mr. Natural", (que también éra presa frecuente de piratas de los derechos de autor), pertenecían al dominio público.

Se consideró que Crumb había perdido el derecho de propiedad porque supuestamente había permitido a uno de sus editores utilizar el lema en una targeta comercial sin la debida indicación del "copyright". Peor para Crumb fué el hecho de que nunca hubiese llevado bien las cuentas del dinero que obtenía con sus comix y con sus indemnizaciones legales, y de pronto se encontró con que debía al gobierno una enorme suma de dinero en concepto de impuestos atrasados justo en el mismo instante en que sus anteriores fuentes de ingresos empezaban a secarse. Tardó años en pagar los impuestos atrasados. Mientras tanto "Keep on trucking!" sigue siendo un lema popular en la América actual, aunque pocas personas conozcan su orígen.

En 1.971 aparece el álbum de 22 páginas "Whiteman Meets Big Foot", donde Whiteman, un característico burgés, se va de vacaciones con su familia a la selva; allí Whiteman será capturado por un peculiar ser selvático y entregado a una hembra Yeti, un encuentro con pronta expansión sexual que se prolongará durante semanas y que hará olvidar a Whiteman lo banal e inútil que fué su vida anterior en la civilización...

Más que una crítica social parece el argumento de una pelicula pornográfica.

El comix "underground", los "hippies" y la "contracultura" desparecieron del mapa hace ya mucho tiempo, aunque un catedrático universitario, Charles Reich, en su libro "The greening of America", predijo confiadamente en 1.971 que reharían América a su imágen y darían paso a una éra de amor y paz. A mediados de los años setenta Crumb se dejaba oír cada vez menos; vivía en su aislada granja de California y, al parecer, eso es lo que prefiería.

Su iniciativa en aquellos años éra una revista que llevaba el título "Weirdo" que aparecía con intervalos infrecuentes. Sus temas eclécticos, oscuros a menudo, destinados principalmente satisfacer los caprichos del propio Crumb y de un puñado de amigos suyos, fueron una decepción para sus "fans", los cuales le recuerdan como el dibujante que causó sensación en los años sesenta.

(Fragmentos de un texto del crítico Dwight R. Decker).
Recopilación a cargo de Xavier Sans Ezquerra, 2.008.